严谨的歌曲创作合作、Apollo音频接口与UAD插件如何成就格莱美获奖唱片

2011年搬到洛杉矶后，丹尼尔·尼格罗经历了一场几乎无人预料的蜕变。这位终身吉他手、歌手兼独立摇滚中坚乐队As Tall As Lions的成员，初到洛杉矶时怀揣梦想却毫无明确规划，唯一的念头是"想成为作词人"。

最初尼格罗只是想录制个人专辑，但很快事情变得不同——他爱上了为他人制作和创作音乐。在斩获2025年格莱美"年度制作人"奖后，尼格罗已成为查普尔·罗恩、奥利维亚·罗德里戈、斯凯·费雷拉（Sky Ferreira）、乔·乔纳斯（Joe Jonas）、凯莉·米洛（Kylie Minogue）和卡罗琳·波拉切克（Caroline Polachek）等艺人背后的声音塑造者。

与此同时，尼格罗逐渐打磨出标志性的制作风格——极度注重合作，并深度依赖Apollo X Gen 2音频接口与UAD插件。

从创作人到制作人的转型是否面临曲折的学习之路？ 

是的，某种程度上感觉像是巨大倒退，因为我得重新证明自己的制作能力。这花了五年时间。早年与创作搭档贾斯汀·雷森（Justin Raisen，合作过Charli XCX、Drake）工作时，他总是坐在电脑前担任制作人，而我只是作词人。但我通过观察学会了制作。后来与阿里尔·雷克特沙伊德（Ariel Rechtshaid，合作过Vampire Weekend、Adele）的大量合作也让我受益匪浅。

从贾斯汀和阿里尔身上学到了什么？

早期创作时，他们教会我可以先导入几个鼓循环片段，围绕这个框架写歌。在乐队时期我们总是在排练室集体创作，而用简单鼓循环写歌彻底打开了我的思路，让我看到歌曲呈现的多种可能性。

如何理解歌曲的多种可能性？ 

最初入行时，我的观念是"歌曲就是歌曲本身"，在制作层面完全无法想象其他可能性。我总认为："既然这是首民谣，那就该保持原声质感。"

但和Ariel、Justin合作后，我逐渐学会了用多种方式解构歌曲，寻找最适合的——用我的话说——"音乐外衣"。这种创作变得充满乐趣，比如加入80年代风格的鼓点，或是融入90年代摇滚的磅礴音效，小小改动就能带来全新气象。

"刚来洛杉矶时，我根本没想过当制作人，"丹尼尔·尼格罗坦言，"我一心只想成为词曲作者。
人生目标的转变真是奇妙。"

如今功成名就，是否总被邀约合作？ 

《Drivers License》爆红后，我猝不及防地被推进了从未设想过的境地。突然之间，顶级巨星们纷纷抛来橄榄枝，但实际合作时才发现——他们钟爱的那些制作细节，是我和奥利维亚耗费数周打磨的成果，而他们却指望五小时速成一首歌。这根本不是音乐创作该有的方式。

"突然之间，顶级巨星们都想找我合作……还指望五小时速成一首歌。但在我看来，这根本不是音乐创作该有的方式。"
 ——丹尼尔·尼格罗 

多数制作人以"日产量"为荣，你显然不是这类？ 我一

年大概做25首歌。若能每两周产出一首好作品，我就欣喜若狂了！实在无法理解这种数量竞赛。回想我们成长过程中挚爱的经典专辑，哪张不是耗费两三年才打磨出10到12首歌？

一年若能做出四首真正的好歌——四首足以。这话听着或许疯狂，但创作永恒的音乐本就需要时间沉淀。

一小时不可能做出好作品。写歌倒有可能——创作本就是灵感的迸发，有时耗时越短反而越出色。但若要成就一首伟大的歌曲，至少对我而言，总要历经漫长摸索才能抵达应许之地。

"一年若能产出四首真正的好歌，于我足矣。经典的音乐需要时间沉淀。"
——丹尼尔·尼格罗

为何如此钟情合作创作？ 

其中一个原因是，我始终保持着乐队思维。

何为"乐队思维"？ 

当我担任制作人时，会把自己当作艺术家的乐队成员。如果你是主唱，我就是你的鼓手、贝斯手和吉他手。我们可以随时交流——若你想听建议，我会直言不讳；若你不需要，我也可以安静地做好本分。当然，大概率我会喋喋不休地输出观点，毕竟我享受深度参与的过程。

你似乎很珍视这种战友般的情谊 

没错。我渴望与艺术家共同经历创作历程，体验并肩作战的感觉。这种执念源于早年的乐队经历，那时我们共享荣辱与共。现在我仍想身处战壕，和伙伴们喊着"嘿，我们必须赢！"。记得我的首支热门单曲问世时，由于和歌手毫无私交，作品发布后我们甚至零交流——那种疏离感让我非常不适。

"Roland Juno 60（合成器）是我最常用的设备，"丹尼尔·尼格罗说道，"主要用来铺合唱段的低音垫。"

如何在对一首歌长期打磨后仍保持客观判断？ 

我始终在思考：听众第一次听到这首歌时会作何反应？当你连续数日埋头制作，听了五百遍后早已失去判断力——这时你对作品的情感感知完全是麻木的。

如果你把作品搁置两个月，就能重新获得"初听体验"。有时会惊叹"哇这段真棒"，有时则发现"天，这段居然这么糟？当时怎么会觉得好听"。所以我必须不断抽离，才能看清作品的真实面貌。

 实际工作中，我的创作耐力只有五小时。超过这个时限，就会陷入"现在做的东西全是垃圾"的自我怀疑。保持清醒的秘诀就是：学会适时遗忘。

“UAD Brigade Chorus 是一个‘写作技巧型’插件。只要加载这个插件，整个房间的人都会眼前一亮，灵感瞬间迸发。”
 ——丹尼尔·尼格罗 

你通常会间隔多久重新审听作品？ 

有时需要冷却一周，甚至一个月。当两个月后首次重听时，若能重新燃起兴奋感——"哇，这段确实很酷"，那就成了。

你大部分作品都是在这间屋子里完成的吧？ 

确实如此。比如奥利维亚的专辑《GUTS》中，《Bad Idea Right?》和《Vampire》的鼓组就在这里录制；而《All American Bitch》和《Ballad of a Homeschool Girl》则是在EastWest录音棚完成的——毕竟那种"磅礴的摇滚鼓声"在我这儿可搞不定。

在奥利维亚·罗德里戈2023年专辑《GUTS》中，制作人丹·尼格罗亲自操刀了吉他、打击乐和贝斯的演奏。

这张奥利维亚的处女专辑，我们全程在阿里尔·瑞切沙德的录音棚完成。虽然只有少数几首歌用了真鼓录制——当时我就住在这个房子里，压根没配置鼓组设备。

 她的专辑其实没怎么用真鼓，但《Casual》这首歌的鼓组是在我这里录制的。

"塑造鼓组音色最核心的插件非SPL Transient Designer莫属。"
——丹尼尔·尼格罗

你每天必用的UAD插件是哪些？ 

1176 compressor 是我的标配——特别是Rev A"蓝条纹"版本，几乎每首歌每个人声都会用到。偶尔会根据人声特性换成Rev E"黑面"版，但99的情况都在用Rev A。

不过我最钟爱的UAD插件还是SPL Transient Designer，几乎所有的鼓组音色都会经过它处理。

SPL Transient Designer有固定参数预设吗？ 

说实话我最常调的是延音控制旋钮。处理实录鼓声时，我会找到让鼓组更具爆破感的那个临界点——这种音染效果深得我心。

还有其他必备UAD插件吗？ 

我另一个最喜欢的 UAD 插件是 UAD Brigade Chorus。我一直在贝斯上用它。在 Caroline Polachek 的《The Door》和《I Give Up》中，贝斯就是通过 brigade chorus 处理的。它也用在她歌曲《Look at Me Now》的原声吉他上。

我有一首新的 Chappell 歌曲即将发行，里面的原声吉他是通过 Brigade Chorus 处理的。在 Olivia 的《Hope Youre Okay》中贯穿始终的“rubber bridge”吉他声上，你能清楚地听到它的效果。

这款插件最妙的地方在于——当我在工作室里把它加载到贝斯音轨时，所有人都会不约而同发出"哇！就是这个感觉！"的赞叹，瞬间点燃整个房间的创作激情。

"主歌到副歌的过渡决定一切。我常会花数天时间打磨转场，只为成就那个完美的情绪升华时刻。"
——丹尼尔·尼格罗

所以rigade Chorus其实能激发创作灵感？ 

完全正确。它属于那种"创作催化剂"型插件，加载的瞬间就能让所有人惊呼"对！就要这个声音！"

当你带着新鲜感重听作品时，通常会做加法还是减法？ 多数

时候是大刀阔斧的删减。实际上我正在处理的这首歌，第一次在车里试听时就发现副歌部分过度制作了——显然是听觉疲劳导致我用力过猛。

纵观你的制作，总以强烈的副歌著称 

比副歌本身更重要的是主歌导入副歌的方式，这些转场瞬间才是灵魂所在。对我而言，关键在于副歌切入时那5-10秒的情感冲击。

这正是制作艺术的精妙之处：你可能已经写好一首好歌，但作为制作人，必须找到让听众汗毛倒立的那个爆发点。我总在不断试验——有时光是主副歌过渡就能折腾三天！